被爱战胜的力量—年
这幅画的主题是：在小天使们代表的“爱”面前，有“力量”的狮子屈服的场景。野兽右边的爱神调皮地抱着它，亲热地抓着它浓密的鬃毛；狮子舔舐前面小天使脚丫的情景很好地体现了狮子的驯服。
读书的锡比拉—年
锡比拉手里拿着一本摊开的书，也许可以认出是厄立特里亚的诗，根据传说，她从出生起就会用诗句预言了。这是一幅本质上以装饰性为目的的作品，只是优雅地把新古典主义的审美理念结合了起来，其中冲突和不和谐也以努力追求优雅的名义被弱化。
坐着的圣彼得
这幅作品是门斯成熟古典主义作品的代表，其中预示了向一种宏大可塑性的发展趋势。
坐在宝座上的是“使徒王子”彼得，他身穿传统的金色斗篷，里面是蓝色长袍，手上拿着他最经典的配饰：钥匙和红皮书，这本传统上为红色的书自然是福音书。圣人前额神圣的闪光让人想起五旬节的奇迹，即圣灵降临和授命使徒“走向世界传布上帝的言语”。
圣人正面的形象和强壮的体型突出了彼得画面构建的特点，而人物象征的专注则是门斯“教义”风格的典型例子。鲜艳的色彩和强烈的明暗对比在当时人中引起了争议，但这并未阻止这幅作品成为新古典主义绘画的基石。
善恶之间的埃克勒约年
这幅画是画家神话作品的代表。从这幅画中可以看出画家高超的绘画水平，他被当作是同时代人中罗马画派无可非议的佼佼者，巴托尼的风格特点非常显著，在晚期巴洛克洛可可和新古典主义的界限之间。
值得注意的是这幅画中的埃克勒与画家汉尼拔·卡拉奇为爱德华·法尔内塞红衣主教绘制的埃克勒之间的相似性。巴托尼对于这一主题的阐释，与17世纪埃克勒“现代英雄”形象特点相一致，偏重于强调主人公的内心满腹疑虑、无从选择的写照。
巴托尼绘画中的关键要素——轮廓的准确性和色彩的亮度，也在这幅作品中得到了充分的体现。这幅作品还有其他不同的版本。
从皇家花园看都灵年
在都灵风景画中，贝洛托的特点是非常显著的：能突出最细微细节的清冷的光线；地平线风景的宽阔性以及与卡纳莱托相比更稠密的混合色彩，这让他成为中欧首都最著名的画家。《从皇家花园看都灵》中描绘了绿堡垒（现已不在）、王宫的背面、裹尸布礼拜堂的圆顶、都灵大教堂和圣马乌利奇奥和拉扎罗教堂的钟楼，以及远处的安慰堂的圆顶。
达尼埃莱面前的苏珊娜年
这幅作品描绘的是达尼埃莱营救因罪被判处死刑的纯洁的苏珊娜的场景。
新帕拉底奥式豪华的建筑风格（如前面围着一大群人的像剧院一般的门廊），或是爱奥尼亚柱式的圆形神庙，以及古典主义宏大布局的特点，这都是画家在都灵期间的作品的特点。
斗兽场和罗马广场年
对视图和韵律把握得非常准确：颜色活泼而明亮。是这位荷兰画家最受欣赏的品质之一。梵·维塔尔风格特点之一是选择让画面中充满忙碌于各种不同活动的人物，把过去和现在拼接起来，使宏大的场景显得更加生动，同时也让人们的日常生活显得高贵起来。
这一点在这幅描绘斗兽场的作品中尤为突出：位于画面的最左端（非典型角度）的是弗拉维安剧场，几乎都认不出了，看起来像是君士坦丁凯旋门。古迹前的道路上有几个男男女女、一个赶着动物的牧羊人、一个农民和他的牛车，所有这一切都沉浸在玫瑰色的阳光中，使人联想到罗马温和的空气。
水果、鲜花、蘑菇、昆虫、蜗牛和蛇17世纪40年代
17世纪，荷兰和佛兰芒艺术家把静物绘画提升到了一个非常高雅的高度，其中简·戴维茨·德·希姆的绘画就是出色的例子。他显著地扩大了像萨弗里和波斯洽埃特这样的大师作品中的典型的鲜花水果的种类，包括虚空的浮华和所谓的“奢华物”（由宝石或罕见物装饰的静物），以赋予其一种丰盛感。这幅画属于“林下植物”，画中开花或结果阶段的枯叶和吃植物的昆虫意在强调与人类生活中的生物循环的相似性。
从仅限于表面的杂乱中，可以看出这些物体的组合没有任何现实主义的元素，而是极致地表现了17世纪自然主义画派的人工创造性和虚幻性。
另外，欣赏这幅画还要结合动物的寓意，如爬行动物象征邪恶，蝴蝶则象征人类灵*的复活。德·希姆的绘画的突出特点是令人眼花缭乱的色彩和空间组合物的深度。
窗前的年轻荷兰女人年
窗框里女人或男人形象是窦的绘画作品中典型的主题。窦是伦勃朗的第一位学生，也是所谓的“高雅画派”的创始人。
窦和他追随者的绘画以微小的细节性著称，这样的手法导致了绘画速度的缓慢。画家对于现实研究的兴趣和对写实的倾向大大限制了他绘画的主题。然而，他的名声并没有因此而受到限制，他的作品反而成了17世纪佛兰芒绘画中最昂贵最著名的作品之一。
《窗前的年轻荷兰女人》在白金汉宫的英国王室收藏中有一幅非常相似的版本。
圣弗朗西斯科·罗马娜约年
传统上，罗马的守护神圣弗朗西斯科穿着黑衣白袍，这是至今仍能区分由弗朗西斯科创立的蒙特奥利维托本笃会圣会的修道士的着装。圭尔奇诺重拾了这一元素，并加入了圣母身边最常见的配物：作为光明使者的守护天使（图中穿着法衣），为她抵挡诱惑她的魔*的攻击。
这幅画是画家晚期的作品，其中“第一次强有力的方式”让位给了趋向于学术的沉着。看到上帝显灵时专注的脸庞和优雅的姿态让人想到了虔诚的宗教情感的传统，讲述弗朗西斯科如何在狂喜和预见的时候仍能保持淡然，不再听到或看到任何外部现实。
这幅画是年彼得·马切利诺·欧拉菲赠予法国的克里斯蒂娜的，年这幅作品被朱丹将*运往法国，后于年回归。
玫瑰圣母
玫瑰是出现在圣母玛利亚身边频率最高的花了。圣母被称作“不带刺的玫瑰”，以暗指她完美无瑕的性质。玫瑰圣母的肖像类型在文艺复兴时期的意大利艺术中尤为常见。
《玫瑰圣母》在罗浮宫里有一幅不尽相同的翻版，它是萨索菲拉托宗教绘画的优秀作品之一，宗教绘画是画家维持生活的主要来源，也是他在广泛的私人客户群体中获得成功的关键。
这幅作品如画家所有圣母肖像画一样，体现出了显著的拟古主义风格，画面的精确性和色彩的活泼感让人回想起15、16世纪的作品。椭圆的脸庞、贵族的姿态和微微的笑容让圣母的形象显得非常和谐，场景特别的魅力还在于它展现了母子之间亲密而明智的“对话”。
萨索菲拉托风格中罕见的优雅让他成了19世纪诗歌的先导，他的作品在贝尔尼尼和彼得·达·克托纳动荡的年代里也显得很不寻常。
冬季
这幅民间童话般的作品的作者出生于荷兰，但在他很年轻的时候，可能十五岁左右就搬到了英国。他尤其擅长画河流的景色，他的风格特点之一是高水平线，让人想起简·勃鲁盖尔，更广泛地说是17世纪上半叶佛兰芒风景绘画的风格，除此之外他的另一特点是极端丰富的细节。
冬季的景观是北方绘画中常见的情景，而孩子们在冰上的游戏和大人们的日常生活活动也经常在绘画作品中出现。画家把人物的多重性、严谨的画风和人物面孔的亲切外观——勃鲁盖尔画派古老传统的特征元素，放置在了冷暖色交替的情景中，赋予画面一种童话般的感觉。
圣玛格丽塔的殉难约—年
古老东方传说中的玛格丽特圣母的传说在中世纪流传尤为广泛，这很可能就是这幅画的参考文献。
这幅作品符合普桑在17世纪30年代下半叶的作品特点，当时作品中的风景还没有后期作品中那么重要。圣女的形象符合艺术家的理性主义，头上没有戴中世纪传统肖像画中出现的“藤”冠或珍珠冠，而只是简单地束了个头巾。
这幅保存在维也纳丽宫的作品，于年到达都灵。年被法国*府转移到巴黎，于年回到意大利都灵。
英国卡尔洛的孩子们年
这幅作品之描绘的是英国卡尔洛一世和维多利奥阿梅德奥一世的妻子克里斯蒂娜公爵夫人的妹妹—恩里凯塔玛利亚迪波伯奈的三个孩子。
这幅作品于年到达都灵，他是画家相同主题的作品中最成功的一幅。作品的出彩之处不仅体现在对珍贵而多样的服装面料的精确掌握上，而且还体现在小王子小公主们极端的自然感上。
环境是温馨而熟悉的：熨烫的不甚平整的地毯、小主人抚摸着的猎犬和手里紧紧攥着点心的小贾科莫。背景中隐约可见玫瑰园的方洞暗示着另一头有一个田园诗般的游戏花园，也喻指和谐而受保护的皇家童年。
拉比的肖像—年
所罗门·科宁克和其他伦勃朗的学生和追随者一样，在他大量的作品中重绘了大师采用的许多主题分支中的一种。
他选择的主题是一幅老年半身像，人物的身份看起来很模糊，既像哲学家、天文学家，又像隐士、教士。科宁克一般被视作伦勃朗的模仿者，他研究了伦勃朗在30年代绘制的所有老人像，在这幅作品中，体现出了一种强烈的心理敏感度：画中博学的以色列人耷拉着肩膀，但从他专注的蓝色大眼睛里可以看到那汇聚在他脆弱而虚弱的身躯里的智慧的活力。
放在拐杖顶端的老人的手能让赏画者感受到一种特点和生活方式的细节。拉比老人坐着，或许我们可以想象他缓缓起身，犹豫却威严地穿过通往律法书堂的过道的模样。
打架的小天使和小酒神年后
这是一幅主题简单的作品，是在雷尼艺术的“危机”年绘制的，当时他想创作一幅主题非常不同的作品。无论如何，这幅作品显得非常和谐，打架的小天使们让画面显得优雅而戏剧化，这是雷尼在17世纪20年代后的某些作品的特点。
在丘比特信使或者这幅作品中的酒神的世俗意义中，小天使是简单自由的代表。这幅画作为“弗朗西斯科·阿尔巴尼风格”长期保存在都灵，后来才确认是博洛尼亚大师的作品。